De autodidactische fotograaf Maryam Arif uit Lahore onderzoekt de onderwerpen individualiteit, levensperspectief en de weerspiegeling van de stedelijke omgeving in het gedrag van de samenleving in het algemeen. In haar onlangs gehouden vierde solotentoonstelling met de titel 'Restitutie van het leven' aan het prestigieuze National College of Arts in Lahore, Pakistan, vertelde ze over haar werk en ervaring in een reeks vragen om het verhaal te ontleden en te begrijpen dat door haar tot nadenken stemmende beelden werd gesuggereerd..
V: Waarom zijn de meeste afbeeldingen in uw tentoonstelling zwart-wit?
A: Voor mij moet kleur op een natuurlijke manier in het proces komen. In deze specifieke tentoonstelling ging ik, toen ik aan het proces begon, door fasen waarin de beelden zwart-wit en kleur waren. Het concept van de show ontwikkelt zich in de loop van de tijd, daarom is het opzetten van een show zo leerzaam voor mij, ik voel dat dit is hoe ik mezelf leer, en in feite leert het me. Stap voor stap doorlopen en ontwikkelen; wat je in de laatste show ziet, is de meest verfijnde vorm van de tentoonstelling. Ik heb zoveel andere vormen gezien; aanvankelijk zat er meer kleur in, meer structuur, minder vormen, het was complexer en het vereenvoudigde zichzelf na verloop van tijd. Tegen het einde van dit verfijningsproces waren op de een of andere manier alle gekleurde foto's verdwenen en gebeurde het allemaal als onderdeel van een natuurlijk proces.
V: Er kunnen twee soorten processen zijn, het kan technisch / mechanisch zijn of het kan een soort formeel / mentaal proces zijn. Fotografie is een kunst die de werkelijkheid vastlegt zoals ze is
maar je lijkt de werkelijkheid te hebben getransformeerd in een abstractie, die doorkomt in je werk. Denk je dat in jouw werk het beeld belangrijker is, het betekent betekenis belangrijker of het formele / denkproces achter het werk belangrijker?
A: We worden elke dag gebombardeerd met afbeeldingen, van 's morgens tot' s avonds op verschillende manieren, dus de afbeeldingen die we zien of creëren, of het nu door middel van fotografie is of een ander artistiek medium; er moet een verschil zijn om te zeggen dat ik de tool gebruik die ik heb gekozen als een artistiek medium. Dus dat betekent dat mijn individuele gevoel van hoe ik de wereld zie, hoe ik het waarneem, hoe ik het zou willen laten zien, in mijn hand ligt, het is niet afhankelijk van het oordeel van iemand anders, het hangt ook niet af van wat iemand anders zegt of begrip van het medium. Je bent vrij en de vrijheid die het denken je geeft, leidt tot creatie. Die vrijheid is vereist om elk gereedschap dat je in je hand hebt te nemen, of het nu een penseel is, of het nu klei is (je bent een beeldhouwer) of je bent een fotograaf, je hebt de camera en begint aan een creatieve reis. Wat is die creatieve reis? Het is bijna een zelfontdekking, want je gaat in jezelf, ziet of probeert de wereld door je ogen te zien en het zet je ook aan het denken over de wereld op zo'n ander niveau omdat je dan begint te analyseren
.je zou in een metro kunnen zitten en je zou met een ander oog naar de personages in die trein kijken, iemand komt misschien terug van het werk, iemand is misschien op weg naar een feestje
je kunt het zien door naar de gezichtsuitdrukkingen te kijken. Dus het proces van het maken van afbeeldingen begint voordat ik de camera optil, omdat je een waarnemer wordt. Voor mij is de dissociatie van de omgeving waarin je de foto maakt cruciaal. Het formele proces begint later als je een veelvoud aan afbeeldingen ziet die op elkaar lijken, genomen in verschillende omgevingen. In elke tentoonstelling die ik tot nu toe heb gedaan, heb ik dit proces keer op keer doorlopen. Ik zie dezelfde foto genomen op verschillende locaties met verschillende mensen, en deze observatie doet je denken hoe je geest werkt terwijl je door je leven en door je werk reist. En als dan alle beelden voor me liggen en ik de overeenkomsten zie, en ik zie dat verhaal, realiseer ik me dat het mijn verhaal is, het is niet het verhaal van de onderwerpen die ik kies; het is mijn verhaal, het is hoe ik naar de wereld om me heen kijk. Het leven van mensen, wat ze doen, dat interesseert me. De gedachte dat er zoveel mensen in deze wereld zijn, en sommigen van hen komen een fractie van een seconde in je leven, bijvoorbeeld stopt een trein en komt er iemand uit die trein en een paar seconden later zijn ze uit je zicht, maar ze worden voor altijd door uw lens vastgelegd. Ze worden een deel van je leven en ze kunnen alleen vanuit jouw perspectief worden bekeken. Ik heb het gevoel dat het mijn verhaal is dat door zoveel andere personages wordt verteld. Op die manier kan ik zeggen dat het formele proces of het concept achter het werk het belangrijkste is in mijn werk.
V: Wanneer u een foto maakt en u ziet willekeurig duizenden en duizenden opties voor u; wat trekt je echt aan om je ogen te openen? Omdat je ogen een verlengstuk zijn van de camera en de camera een verlengstuk is van je ogen of de manifestatie van het oog, open je eerst je oog en dan kijk je door de camera. Dus wat fascineert je echt en hoe kies je je onderwerp? Zoals u de afgelopen vier jaar in dit domein heeft gewerkt.
A: Ik denk dat de mentaliteit van het individu de keuze maakt. Ik zie foto's voordat ik ze neem. Elke fotograaf zal je op een bepaald moment vertellen dat ze dit zelf gaan ervaren, en dan zijn ze heel duidelijk wat ze als onderwerp willen kiezen. En ik denk dat ik heb geprobeerd mijn onderwerp door mijn mentaliteit heen te lokaliseren. Ik hou van rustige situaties, alledaagse situaties, niemand weet zelfs dat er een fotograaf in de buurt is. Ik probeer de omgeving waarin ik me bevind niet te veranderen. Wat me ertoe aanzet om een foto te maken, is het natuurlijke ritme van het leven
en licht. Totdat licht in het spel komt, word ik over het algemeen niet aangespoord om een foto te maken. Licht speelt dus een zeer belangrijke en cruciale rol in mijn werk. Ik denk dat de reden waarom ik me aangetrokken voel tot architectuurfotografie is omdat moderne architectuur speelt met lijnen en licht, zodat het symmetrische schaduwen creëert, wat natuurlijk mijn esthetische vereiste is als fotograaf.
Vraag: Nou, dat kan je zien, maar er is ook een ander niveau, dat gaat over verhaal. Wanneer we deze werken zien, kunnen we zelfs binnen de enkelvoudige werken een verhaal zien; er is een verhaal gaande, dus deel alsjeblieft met ons welk soort verhaal je wilt creëren met dit oeuvre?
A: Het evolutionaire proces dat je als individu doormaakt, en hoe je je beelden verwerkt en ziet, ik denk dat het voortdurend evolueert en verandert. In dit oeuvre ben ik begonnen de realiteit in kleinere stukjes te versnipperen. Als ik me in een rommelige kamer bevind, richt mijn geest zich op meer dan één focuspunt en zie ik meerdere verhalen tegelijkertijd; twee mensen die niet met elkaar verbonden zijn terwijl ze door de kamer lopen of een persoon kan op een plek zitten met hoge kunst, die mensen van over de hele wereld zouden komen om te zien
.toch lijkt deze persoon er niet in geïnteresseerd, ze hebben een dode, doffe uitdrukking op hun gezicht. Ik kijk naar die persoon en het zet me aan het denken
wat voor soort leven zou iemand naar dat punt brengen waar men zou kunnen zitten in een omgeving waar mensen zouden willen reizen en kilometers zouden lopen om te bezoeken en zich te laten inspireren, aangezien kunst een gevoel van leven zou moeten oproepen en voor hen om in te zitten die omgeving als dode persoon, het zet je aan het denken. Ik begon het beeld in zichzelf te fragmenteren
het is bijna alsof je het leven beetje bij beetje begint te fragmenteren, en ik denk dat die interesse langzaam begon door te dringen in mijn werk, waar het onderwerp loskomt van de omgeving, dwz het lijkt geen deel te zijn van de omgeving waarin het zich bevindt, ook al maakt het er deel van uit. Het is niet alsof ik ze aan de afbeelding heb toegevoegd of verwijderd, ze maken er deel van uit, maar op een gedissocieerde manier. Die gedachte was de drijvende kracht achter dit oeuvre.
Vraag: Op de een of andere manier, wanneer we naar je werk kijken, zijn we ons bewust van deze wens om dingen te zien en ernaar te kijken. Zo is in één afbeelding bijvoorbeeld te zien dat een vrouw naar een schilderij kijkt en is er een andere vrouw die van opzij naar haar kijkt en dan is er nog een ander die van achteren naar haar kijkt en dan kijkt de kijker ook naar haar van een afstand, dus er is een ketting van observatie. Er is ook een soortgelijk verhaal in sommige van de andere afbeeldingen, waar we kunstwerken zien, andere mensen ernaar kijken en zij ook naar ons kijken. Op die manier hebben de meeste van deze werken een soortgelijk verhaal. Er zijn echter andere afbeeldingen die puur op architectuur zijn gebaseerd, hoe denk je dat deze afbeeldingen de ruimte van de andere afbeeldingen kunnen binnendringen?
A: Ik realiseer me dat ik abstracte afbeeldingen naast afbeeldingen met een sterk verhaal heb geplaatst, dus ik moet een bepaalde reden hebben om ze samen te stellen. Ik ben arts door opleiding en de opleiding die ik heb genoten, speelt een cruciale rol in mijn werk. Ik kan mezelf gewoon niet isoleren van wie ik ben. Ik heb veel tijd besteed aan het bestuderen van de menselijke anatomie en hoe het menselijk lichaam functioneert. De abstractie van de menselijke geest kan nooit als vanzelfsprekend worden beschouwd omdat de menselijke geest op zichzelf de belangrijkste bron is van de abstractie die je als mens creëert. In sommige afbeeldingen in deze show zie je het chaotische raamwerk van structuur; voor mij zijn dit allemaal representaties van de menselijke geest. Mensen zijn een gemakkelijk onderwerp om te fotograferen, maar als je onderwerp zo abstract is als de menselijke geest, kun je alles kiezen om het te verbeelden. In sommige beelden wordt de gedachte in je geest weergegeven met lineaire, rechte lijnen, het gedachtepatroon kan zo eenvoudig zijn. Creatieve geesten hebben een complexere kijk op het leven; ze observeren de dingen op een niveau van ingewikkeldheid, dat buiten het normale denkkader ligt. Soms zijn ze zo ingewikkeld; het raamwerk is zo chaotisch dat het niet logisch is; het hoeft niet zo samenhangend te zijn. Zoals je zegt, er zijn vermengde afbeeldingen, er zijn enkele afbeeldingen met een duidelijk verhaal en dan zijn er de abstracte architecturale opnamen, op een manier denk ik dat de structurele opnamen de andere beelden naar voren halen in termen van abstractie van het leven.
V: Iets dat al deze beelden aan elkaar bindt, is dat je ernaar kunt blijven kijken en ontdekken. Het zijn een soort puzzels die je kunt blijven openen en je weet niet zeker of je alles hebt gezien, het is bijna alsof je elke keer dat je het beeld ziet, het op een andere manier waarneemt en je iets heel anders ziet. Dit is iets dat echt interessant is in deze werken, en daarom is deze serie werk een grote sprong voorwaarts van je eerdere werken, die meer rechtlijnige beelden waren, terwijl dit geconstrueerde beelden met lagen zijn. Hoe vergelijk je deze twee soorten werken, het geconstrueerde beeld en die welke het geconstrueerde gevoel niet sterk overbrengen? Voel je dat dit de lijn is die je verder zou willen volgen? Denk je dat de taal die deze geconstrueerde afbeeldingen opbouwen, overtuigender is wat je wilt zeggen?
A: Vergeleken met mijn eerdere praktijk is er zeker een verandering geweest in de manier waarop ik beelden zie en verwerk. Ik denk dat dit veranderingsproces zo traag en zo natuurlijk is dat ik niet kan voorspellen hoe ver ik het zou willen nemen of het zou willen verkennen, maar of ik dat nu wil of niet? Ik wil het zeker! Ik ben begonnen in te gaan op de fijne details van niet alleen het beeld, maar ook in hoe ik dingen om mezelf heen observeer. Deze observatie brengt je verder dan wat je ziet, op dezelfde manier neem ik mijn beelden buiten het rijk van het beeld zelf en ik denk dat dit proces zo lonend is, want nu zie ik elk beeld op een manier die ik voorafgaand aan dit proces nooit zou willen zien hebben zelfs in hetzelfde licht gekeken. Ik voel dat de evolutie van dit werk voor mij belangrijk is.
V: Maakt u zich zorgen over de culturele betekenis of de culturele connectie van deze beelden? Uw werk verbeeldt geen bekende of directe ervaringen in Pakistan. Er zijn enkele verwijzingen naar cultuur zoals een man die bidt of er is een venster waarin je de weerspiegeling van een multinationale organisatie kunt zien, dus op die manier duid je globalisering aan. Tegenwoordig is de indeling of afbakening of definitie van wat buitenaards is versus wat lokaal is en wat bekend is versus wat vreemd is, veranderd. Dus als iemand als kritiek zegt dat je werk los staat van de plek waar je vandaan komt, wat vind je daarvan?
A: Ik zou opnieuw verwijzen naar hoe ik als individu ben opgegroeid en hoe mijn omstandigheden mijn denkwijze hebben gevormd. Ik heb nooit overwogen mezelf te lokaliseren. Ik geloof dat je niet geboren bent in een klein deel van de aarde, maar je bent geboren in deze wereld. Mijn werk is universeel; en omdat ik zo veel reis, zijn veel van mijn visuele ervaringen in termen van de culturele verschillen die ik waarneem, die onbedoeld een rol speelt in de concepten die ik ontwikkel. Dus in zekere zin is mijn werk een interculturele studie. Je kunt een deel van jezelf niet scheiden en zeggen dat sinds mijn geboorte in dit deel van de wereld, mijn werk het moet vertegenwoordigen. Jij als mens, daar zouden je ervaringen vrij van moeten zijn. Hoe je ervaringen je geest vormen, moet daar ook vrij van zijn. Dus als de kritiek is dat er dissociatie is
.dan kan ik alleen maar zeggen dat mijn werk me heeft geholpen mijn huis meer te vinden dan de meeste mensen kunnen zeggen dat Pakistan hun thuis is. Veel mensen zullen werk laten zien dat erg Pakistaans is, maar waarschijnlijk zullen ze van binnen dromen om ergens anders heen te gaan. Maar hoewel dit werk niet Pakistan vertegenwoordigt, heeft het me geholpen hier mijn huis te vinden. Ik blokkeer mezelf echter niet voor de ervaringen die ik opdoe. Mijn ervaringen zijn divers en mijn werk kan iets onbekends laten zien, maar ik heb altijd ervaren dat ik het meemaakte.
Vragen van Quddus Mirza
